El cine y mi subjetividad

Mis queridos huesos...

2011-12-11T05:13:00.000-08:00

Desde mi total desconocimiento de la novela original en la que se basa 'The lovely bones' ('Desde mi cielo', de Alice Sebold), la primera visualización de esta película, sin ningún condicionante, se puede resumir en una metáfora fantástica y preciosista que intenta eclipsar a toda costa la fealdad y crudeza del terrible drama que la desencadena.

Minutos y minutos de metraje de una dimensión romántica toman el predominio de este largo, donde apenas se vislumbra el relato real entre todo el despliegue del mundo celestial donde va a parar Susie Salmon (con una estupenda Saoirse Ronan), la niña asesinada.

Sin duda, no es de extrañar la composición de este enorme trabajo visual y plástico, acompañado de una notable banda sonora, propia y a la altura de un director de productos megalómanos como la trilogía de 'El Señor de los Anillos' (2001-2003) o 'King Kong' (2005). Este relato moderno tantas veces plasmado en el cine, se describe desde una perspectiva utópica que recuerda a las antiguas leyendas medievales y fantásticas. De hecho, algunos pasajes pueden traernos reminiscencias de filmes como 'Big Fish' (2003).

El espectador puede elegir perderse cómodamente en esos universos de ensueño. No obstante, la dedicación a esta dimensión irreal más de lo debido hace que el desenlace se resuelva insatisfactoriamente en poco más de una escena. Sabe a poco. Falta algo. Asimismo, la espléndida intepretación de Susan Sarandon como abuela de la protagonista, -extravagante, divina y osada-, o la interpretación de madre coraje de Rachel Weisz se quedan desaprovechadas en un film al servicio de la poesía estética y la belleza visual. 'The lovely bones' 'pincha' con un desarrollo argumental perdido en los delirios oníricos del director. La fantasía infantil al servicio del exceso. Sin embargo, no faltarán a quienes les encante esta explosión de imaginario fantástico ni quienes pasen unas buenas dos horas frente al televisor.

Caperucita roja, ¿a quién tienes miedo?

2011-04-10T08:51:00.000-07:00

El inminente estreno de la nueva versión postmoderna del clásico cuento medieval europeo, Caperucita roja, va a aparecer en nuestras carteleras el próximo 15 de abril, atrayendo (o no) a una oleada de adolescentes y post-adolescentes predispuesta a copar con furioso entusiasmo las salas cinematográficas españolas que la acojan.

"Abuelita, ¡qué ojos tan grandes tienes...!"

La recreación de esta historia popular de nuestra memoria colectiva en una versión erotizada y maqueada para 'preadultos' del mítico relato, se transforma en un anzuelo por lo menos curioso. Ya solo en el trailer se puede apreciar un aire siniestro y efectista, mezclado con un impecable escenario, heredero de las clásicas películas de princesas de la Edad Media. De hecho, se han plasmado unas preciosas imágenes que destilan, por momentos, fotogramas cargados de una gran poesía estética. Su protagonista es la veterana en teen movies, Amanda Seyfried, que irrumpe con su pecaminosa caperuza carmesí en la impoluta nieve, como una irresistible chica mala, dotada con un físico explosivo y una límpida carita de ángel.

En resumen: todo en uno. Terror, erotismo y mocedad distorsionando peligrosamente la noble base cándida de la fábula y el cariño nostálgico que todos guardamos a la ingenua y pura caperucita de nuestro cuento. Por lo que se ve, nuestras más queridas heroínas infantiles también pasan por la pubertad. Un cóctel perturbador y sugestivo para el público objetivo que resulta, cuanto menos, morboso.

No obstante, precisamente, tanto por su estética, las reminiscencias y correlaciones con otros largometrajes modernos, puede hacernos dudar de si es un producto que merece la pena o no. No deja de hacer gracia transformar a la inocente niña del cuento en una adolescente del siglo XXI que va a por el 'lobo' y le gustan los problemas, aunque, tampoco traspasa la delgada línea 'roja' de caer en lo indecoroso, lo chabacano y lo vulgar.

Podríamos decir que el resultado de este film no llega a estropear la memoria de nuestro candoroso relato, pero tampoco deja de ser una versión hecha a medida para una juventud efervescente y quinceañera (y por qué no, también, veinteañera) que devora los libros de 'Crepúsculo'. El argumento y el discurso de la trama pueden ser bastantes previsibles, aunque también se guarda un golpe sorpresa que mantiene la intriga hasta el final como un buen film de entretenimiento.

No me pararé a analizar la empalagosa e idealizada relación de la pareja protagonista y el sempiterno triángulo amoroso que se representa. Tampoco se le pueden atribuir muchas incoherencias, pues la simplicidad de la narración guarda una lógica verosímil y comprensible que tampoco respira muchas pretensiones. Como tod@s imaginaréis, no es una obra maestra, sin embargo, tampoco echaré por tierra un producto que me ha hecho pasar una divertida distracción de fin de semana.

A 3 MSC

2010-12-19T10:10:00.001-08:00

No he visto Fuga de cerebros. Pero si ésta era un preludio fílmico de Fernando González Molina de su obra 'estrella' A 3 metros sobre el cielo, doy gracias a Dios de que no haber perdido esa hora y media de mi precioso tiempo.

Acudiendo al cine (después de mucho tiempo) en mi ingenuidad de 'vivir' una historia de amor adulcorada comercial, con la clara consciencia de que sería una versión cañí de las películas románticas teen hollywoodenses, he podido encontrarme con que ... sí, la ley de Murphy se cumple: cuando crees que algo ya iba a ser malo de base, es cierto: aún puede ser peor.

Desde los primeros minutos, parece que estamos asistiendo al visionado de un spot de gafas Ray-Ban o de un anuncio de la nueva Harley Davison. El encumbrado ídolo de adolescentes, Mario Casas, que hace aquí de rebelde sin causa, héroe posmoderno y príncipe azul de las quinceañeras de hoy, irrumpe como el motor de esta historia, sólo creíble para las mentes preadolescentes que imaginan su primera historia de amor idealizada. Sinceramente, aunque el chico se esfuerce, la cara de chulito (ostiable) con morritos ensayados de Casas, creo que no convencería a más de una. María Valverde, por el contrario, está perfecta en su papel de 'pija', aunque sus intentos interpretativos por hacer esta historia creíble son vanos, al verse inmersa en un producto global insostenible.

Parece que esta película la ha escrito y rodado un chaval de 16 años. Aunque la base del argumento (pija-conoce-a-chulazo) sea atrayente y despierte el morbo en más de un@, las inverosimilitudes del guión dejan este largo a una altura aún por debajo de algunas series españolas del mismo palo (Física o química, Al salir de clase...). El ridículo flashback que 'explica' la 'causa' de rebeldía del núbil muchacho, el inaudito enamoramiento carente de autenticidad y, sobre todo, el ilógico, forzado e incoherente final hacen que no me crea esta película de principio a fin.

No os dejéis engañar, niñas, el 'chulo' de vuestros sueños nunca mostrará signos de arrepentimiento, comprensión y fidelidad adultas, simplemente seguirá siendo un egocéntrico, mujeriego y autocomplaciente inmaduro que busca alcanzar el límite del sumun narcisista (hasta poder follarse a sí mismo). En cuanto al personaje de Mario Casas, no está trabajado en base a un individuo real, sino en una imagen superficial proyectada por el estereotipo.

Si desgraciadamente películas como ésta son las que se hacen con las cifras de taquilla más fructuosas del año y los productores españoles empiezan a invertir en este tipo de cuentos basados en pastelosas novelas de autores italianos, bonito panorama le espera al cine español: R.I.P.

El único momento realmente emocionante es cuando Babi va por a carretera y observa la frase que da título al film pintada en grande sobre el dorso de un gran puente... Diréis que es una cursilada, pero, oye, una también tiene su corazoncito.

Nadie es profeta en su tierra...

2010-05-05T10:46:00.000-07:00

¿Se puede ser un profeta dentro de una cárcel? Literalmente, puede resultarte muy difícil, pero en sentido figurado, sí. Desde los estratos más bajos de la jerarquía social, contemplamos la ascensión y la transformación de un ingenuo chaval de 19 años, sin familia, sin amigos, sin ni siquiera un identidad clara en un líder. La soberbia conversión de la que somos testigos con la interpretación del novel Tahar Rahim hace totalmente creíble y absorbente esta historia de la lucha por la vida.

El film también deja hueco para la poesía y el surrealismo...

Como aquel viejo clásico de Pío Baroja, el protagonista entra desde el principio de una forma más que descarnada en las crudas luchas internas del mundo de la cárcel. Esta introducción en esta selva de barrotes y el desarrollo de las escenas hiladas por el director francés Jacques Audiard mantienen un ritmo trepidante que impide distraer los ojos de la pantalla. El espectador puede llegar a sufrir en sus carnes la violenta coacción y el dolor al que es sometido -como en la inmersión de un recién nacido a la vida- el personaje principal, así como su posterior promoción en el escalafón social dentro de la mafia corsa y del mundo de la droga.

El largometraje evoluciona a través de una narración sobria y seria, pero que encaja adecuadamente toques inesperados de humor desternillantemente negro. Una película genialmente estructurada y con una progresión ajustada para un público ávido, inteligente y despierto. Audiard decide prescindir de efectismos y demuestra que no le hace falta recurrir a sensacionalismos para emocionar, enganchar y captar al televidente. Un profeta intenta plasmar con la mayor veracidad una jungla de hierro del siglo XXI, paralela, desconocida en un escenario excitante y apropiado para reflejar grandes dramas de nuestra sociedad actual.

Puede que tras dos horas de metraje la película, la incertidumbre pueda invadir al espectador al no preverse aún un final, pues tarda en verse llegar y más de uno se puede perder en la sucesión de tramas paralelas y líneas de acción por la que se mueve el protagonista. No esperemos que Audiard nos sirva en bandeja una resolución mascada, puesto que deja una tácita reflexión con un final cuanto menos espectacular: Malik El Djebena caminando tranquilamente con una taimada procesión de coches detrás... ¿Te atreves con un largo europeo y en V.O.?

Avatar... más allá de la imaginación

2010-01-17T03:20:00.000-08:00

Un nuevo mundo... sí, para el cine también.

La tan esperadísima pericia visual del megalómano director James Cameron por fin llega

a nuestras pantallas dinamitando las taquillas de todo el mundo. Y es cierto. El mundo fantástico creado por la tecnología virtual es realmente el universo más espectacular que hemos visto hasta la fecha. Sin duda, la posibilidad de empezar a ver el cine en tercera dimensión puede que marque un hito en la historia digital cinematográfica y sobre todo, va a poner el listón muy alto para los próximos trabajos de factura digital que se presenten de aquí en adelante. Este último filme ha hecho un grato favor al género de ciencia ficción y de aventuras, pues su capacidad de atracción del gran público es innegable.

Aunque, por otro lado, este remake de Pocahontas (1995) o de El Nuevo Mundo (2205), no aporta nada nuevo al Séptimo Arte en cuanto a estructura argumental, diálogos y personajes se refiere... Más bien presenta formatos demasiados trinchados y en versión de películas serie B. El protagonista: un 'chulazo', frío, llano y con apenas química con la indígena Navi. El estereotipo de los 'malos' es tan caricaturesco que cae en lo risible (el coronel forzudo, con cicatrices, teñido de rubio, curtido y sin cerebro, parece un muñeco calcado directamente de los Gi Joe). Unos personajes difícilmente creíbles, como el interpretado por Michelle Rodríguez, donde no suelta una sola frase que no tenga un taco y ocupe más de dos líneas de guión... Son algunos de los puntazos intragables de este largo junto con alguna que otra situación inverosímil, incluso dentro de este relato ficticio.

La magia desatada por la técnica audiovisual compensa un desarrollo narrativo previsible. Y por supuesto, sólo si es en la pantalla grande. Cameron se vuelve a instaurar como el artífice de otra de las grandes superproducciones más colosales del celuloide después de Titanic (1997), tanto en su presupuesto y como en su producción. Un relato real representado en un planeta fantástico, pero estropeado por la simpleza, el mal gusto y cierto tufillo de horterada americana.

Química Navi entre dos cuerpos perfectos.

El alma en escaparate

2009-11-03T11:48:00.000-08:00

Cierra los ojos... Y entra en el imaginario del doctor Parnassus. En él te someterás a la prueba más importante de tu vida: salvar tu alma o perderla.

La película de Terry Gilliam es un agradable soplo de aire fresco en la cartelera actual. Sin necesidad de repetir la misma historia ('remakes') o reinventarla, el ex miembro de los Monty Python desarrolla un original cuento antiguo y a la vez posmoderno que llena de magia al espectador y explota el mundo de nuestras fantasías.

La carroza ambulante del doctor Parnassus junto con su exótica hija, un sabio enano y joven ayudante rebosa al mismo tiempo tanto de fascinación como de irónica pobreza (característica que agudiza la belleza de su vida nómada). Una fascinación que más allá del espejo se convierte en la representación surrealista de nuestros deseos más profundos y personales. Una prueba de fuego que coloca a cada individuo en su disyuntiva vital; y que en medio del sueño te purifica o te destruye.

La maravillosa estética y el ritmo vertiginoso, a veces loco y desenfrenado, de los acontecimientos sumerge al espectador en una obra de vodevil rocambolesca, donde, no obstante, todo tiene sentido. Lo real se funde con lo ficticio y ninguna de las dos realidades deja de ser menos relevante.

Por fin, este autor tan personal saca adelante un film (tras el frustrado intento de una recreación de Don Quijote, The man who killed Don Quixote), que dejará satisfechos a los más paladares curiosos. Gilliam, junto con Tim Burton, puede que sea el autor que más le gusta crear universos y realidades fantásticas y exóticas.

Da gusto que el último trabajo del fallecido Heath Ledger, sustituido inteligentemente por los voluntariosos Johnny Depp, Jude Law y Colin Farrell (y la magnífica labor del resto del reparto), cierre con broche notable su carrera profesional, con este original, curioso y exótico largometraje.

Gloria bastarda

2009-10-14T14:05:00.000-07:00

Nunca he visto tanta gloria desde el minuto 00:01:00. El excéntrico y auténtico Quentin Tarantino despliega toda su artillería pesada en su último largometraje. 100% Quentin, señor@s.

Por fin, un embrollo argumental trabajado, con sorpresas, tensión, golpes de humor, ritmo e incertidumbre hasta el final. Se acabó la insulsa trama de la venganza (Kill Bill) o las carnicerías + tacos gratuitas. En esta ocasión, el director ha sabido sacar provecho de todas y cada una de las escenas y de sus personajes, así como del talento interpretativo de los intérpretes.

Haciendo un breve repaso, he de comentar la excelente explotación del glamour y el talento, así como del papel que desempeña en el film Diane Kruger (una actriz que hasta ahora ha hecho papeles simplones, de chica guapa, más decorativos que interpretativos en la mayoría de sus películas), también las acongojantes apariciones de Christoph Waltz, o la credibilidad de Til Schweigeren como asesino implacable. No obstante, aunque mi predilección por Brad Pitt es obvia, su actitud de cateto chulesco y líder del batallón de rufianes no me ha llegado a entusiasmar. Su papel ha estado más cerca de la sátira y la caricatura, e incluso parece inverosímil que una panda de paletos como los del 'Oso judío' pudieran realizar semejantes proezas. Supongo que el genio Quentin habrá querido establecer una complicidad con el público y conseguir la identificación del telespectador.

Por otra parte, con la representación de los nazis 'malos', como Hitler o incluso el coronel Hans Landa (Christoph Waltz), -en parte ridículos, en parte temibles-, desconcierta y despierta una incertidumbre, que no sabe si tomárselos en serio o en broma, y precisamente por eso, tiene la capacidad de sorprender (e incluso asustar) en el discurso de los acontecimientos. No se sabe si porque el tal Quentin lo tiene así planeado - o porque simplemente plasma exhaustivamente lo que le marca su imaginación en la pantalla-, que el resultado es simplemente brillante.

Este autor también juega con la realidad y la ficción. Tarantino se ha servido de algunas referencias históricas (como la narración del clásico de cine 'El nacimiento de la nación' o simplemente los personajes reales como Goebbles o el propio Hitler) para despistar, entusiasmar y hacer especular al espectador sobre cómo va a terminar la historia.

Su particular forma de narrar conscientemente aleatoria, de presentar a los personajes y de crear una realidad A SU MANERA, made by Tarantino, es, como se ha demostrado en otras ocasiones, auténtica y apasionante.

Como ya sabemos, a este excéntrico genio le gustan los excesos. Sin embargo, no importa en absoluto que la película no tenga ningún rigor histórico. Simplemente... Es Tarantino y sus fans más incondicionales (como yo) no se sentirán defraudados.

Mis noches de arándano...

2009-07-17T15:36:00.000-07:00

Podría ver una película muda de Kar Wai sólo por su fascinante utilización del color.

La delicia estética se desborda por cada uno de los fotogramas de esta 'road movie'. Ese universo impregnado de una combinación exquisita y exhuberante de colores, convierte hasta el paisaje más humilde de una cafetería de poca monta en un escena de La Cenicienta. Es impresionante ver desfilar ante la pantalla esa sucesión de imágenes perfectamente elaboradas y pensadas para sumergirse de un tirón en esta obra maestra gráfica y sensible.

Desde 2046, cada vez me fascina más la pericia técnica de su director, Wong Kar Wai, a la hora de situar una historia en un mundo corriente, convertirlo bajo el toque de su varita en un cosmos fantástico. Además, no limitándose sólo al virtuosismo decorativo, también edifica en su delicioso escenario una historia intimista, emotiva y con sentido.

El romanticismo de Kar Wai, una vez más, ciega al espectador. Más optimista y viva que sus antecesoras como Deseando amar, aunque menos trágica y con más contenido que Chunking Express, My blueberry nights se desmarca y supone un culmen en su filmografía. Las carencias y puntos flacos de todos sus trabajos anteriores, se liman y se difunden en este un cuento desenfadado, mas no carente de sustancia, ni de la poesía rezumante que le caracteriza.

La cantante Nora Jones, recalcitrada aquí como solvente actriz, se desenvuelve encarnando la sutileza, sencillez y sensibilidad de Elizabeth -su personaje-, aunque algunos momentos se vea eclipsada con facilidad por las apariciones de Natalie Portman o Rachel Welchz, cuya belleza y magnetismo dejan una impronta abrumadora en el film, tanto por su presencia interpretativa como por la fuerza de las féminas de la historia. Sendas intervenciones plasman una huella profunda y determinante en el desarrollo de los acontecimientos y suponen dos puntos de inflexión en el viaje de la protagonista.

Un cuento que termina cerrando el círculo y con una importante lección: a veces queremos refugiarnos en un pasado doloroso por miedo al cambio en nuestras vidas, a que podamos perder algo que ya no tenemos. Quizás por eso, dejamos las llaves guardadas para lo que pueda suceder en un futuro... No obstante, quizás estemos refugiándonos en algo que no es real. Incluso cuando la puerta que queríamos traspasar esté abierta delante de nuestras narices... y podamos entrar... No sea allí donde creíamos, el destino que buscábamos. Quizás se encuentre en otra habitación donde no hay que preocuparse por la llave.

Gran...Eastwood

2009-05-13T11:31:00.001-07:00

Decepcionada desde la sonada huelga de guionistas que sólo llenó de deshechos el séptimo Arte, mi interés por el cine había casi desaparecido progresivamente sin un motivo contundente. Simplemente esa llama por el arte de hacer cine se había consumido.

Pero los grandes, ante toda persona que se apasione o no por el cine, siguen siendo dignos de apreciación y por lo tanto, imposible de ser pasados por alto. Bien acostumbrados como nos tiene el veterano actor que encarnó a Harry el Sucio, reconvertido en un todavía mejor director, Clint Eastwood por fin ha vuelto a hacer la respiración asistida a las carteleras de todo el mundo con la magnífica Gran Torino.

Walt Kowalski, un personaje tan apreciable y despreciable como la vida misma, es el protagonista de esta sencilla historia que no nos cuenta nada que no sepamos ni hayamos visto ya ni en la vida real ni en las pantallas.

Prejuicios raciales, intolerancia, barrios marginales, pandillas, pluralidad cultural... Muchos temas que no nos han sido ajenos en el mundo cinematográfico, pero que con Eastwood despuntan y se diferencian de todo lo que se haya hecho antes...¿por qué?

Un tipo duro de pelar...

Simplemente por la autenticidad con que este autor aborda el personaje (encarnado casi por una parte de sí mismo), el enfoque de la película, la entereza de la narración y la forma sincera de hacer apasionante historias tan reales y comunes como la vida misma.

La fotografía, especialmente, y un Eastwood más expresivo que nunca enseñando a un joven Hmong llamado Thao (o atontao) cómo tiene que hablar y comportarse para que le selecccionen en una entrevista de trabajo es simplemente muy grande. El papel que mejor se le da al californiano aparece aquí casi como un retrato de sí mismo o el hombre que siempre ha habido dentro de él: rudo y desagradable por fuera, como noble y tierno de corazón por dentro.

Detrás de esa mirada antipática y huraña, ya sabemos que se esconde una gran sensibilidad y un gran conocimiento de la verdad de la vida... que como maestro está sabiendo plasmar en la pantalla grande y rescatar al cine de la escasa calidad que existe hoy en día.

Gracias, Eastwood, por hacerme volver, aunque sólo haya sido con este post.

Mudanza

2009-02-07T07:34:00.001-08:00

Me mudo... el cine ha dejado de ser el foco principal de mis intereses literarios y ahora me he embarcado en nuevo blog con un estilo más periodístico...

Las personas que solías leer esto, podéis seguir leyéndome en http://lasniniasjournalists.blogspot.com

La vida evoluciona y las personas con ella... Todos somos viajeros del mundo y de nosotr@s mismos.

¡¡Un besito viajeros!! ¡Nos vemos en otra nueva mirada al mundo!

El piano

2008-10-20T11:41:00.000-07:00

Tengo miedo de mi voluntad

"Sólo sé lo que no quiero..."

2008-10-02T10:34:00.000-07:00

¿Qué es lo que cada uno de nosotros estamos buscando?

El director originario de Manhattan desenreda en Vicky Cristina Barcelona una sutil e ingenua reflexión sobre lo que queremos, lo que buscamos y lo que tenemos... Con la relación de cuatro personalidades chocantes y opuestas, Allen es capaz de materializar el complicado embrollo del misterioso puzzle imperfecto del amor.
Después de que la cordura de la realidad acabe imponiéndose brillantemente, el camino hacia esa resolución no está falto de angustias, dudas y convicciones, tan irracionales como contundentes.

Una situación donde lo imposible se convierte en lo único que tiene sentido.

Las actrices, sobradas de encanto y atractivo, interactúan alrededor de un Bardem cuan menos que insulso... (y por su trabajo previamente visto, irreconocible), que no despierta la más mínima seducción en su interpretación. Penélope Cruz, arrebatadora, y Johansson y Hall en su sitio. Todos compactados en una película breve de enredos, pero que te plantea una verdad de la vida sencilla, a la vez que relevante.

Una buena película para pasar el rato, que aunque no sea brillante es entretenida e inteligente.

El amor sólo es romántico cuando es inalcanzable

Caótica belleza

2008-07-13T15:26:00.000-07:00

La poesía onírica y sensual materializada hasta en el último de los planos de Caótica Ana se transmite a través de los enormes ojos claros de Manuela Vellés: la viva imagen de la ingenuidad, la dulzura y la ilusión de la juventud guiada por el maquiavélico y sutil ojo 'clínico' de Julio Medem.
La fuerte personalidad de su universo particular impide la escapatoria mental del espectador y consigue sumergirle en todas las puertas y los mundos de Ana hasta llegar a gritar y llorar, emocionándote al oír la tierna voz de la protagonista.
Con una inverosimiltud transgresora y rebelde, la historia se asienta en nuestras cabezas como un cuento real y valiente, rasgando con todo lo preconcebido e imposibilitando las hipótesis del público.
La colaboración de Catherine Deneuve, deslumbrante y recuperada, y el contraste de personajes tan distintos y definidos, encajan en un encuadre perfecto donde el mundo de las vidas pasadas, la fantasía del arte y la grandeza de la naturaleza se fusionan para concebir un periplo avasallador e infinito que rompe con todas barreras de lo previsible y mantiene vivos el espíritu de libertad y la incertidumbre hasta el último minuto.
Una belleza estética impresionante, cuidada con una mística banda sonora y la usual multitud de elementos metafóricos del director vasco te hacen volar y sostienen la inesperada evolución de la trama hasta el final. Ana se convierte en una guerrera que vence a la injusticia desde la debilidad, una Juana de Arco de su tiempo, poética, bella, fuerte y rebelde.

'You can't never defeat me, because I'm the mother of good men'

Algo pasa en Las Vegas

2008-06-14T03:25:00.000-07:00

Una película que podría haber sido mucho más, si sólo se hubiera seguido la evolución natural de la relación de la pareja de esta historia...

Curiosamente, anoche decidí ver una producto pura y verdadermente made in Hollywood y he de reconocer que a parte de los esterotipos que abundan en esta clase de americanadas horteras y videocliperas, pasé un rato divertido viendo a la gamberra de Cameron Díaz y al ramplón de Aston Kutcher. El ritmo dinámico del guión acaba con los momentos superfluos y aburridos del comienzo y despierta cierto interés por la evolución del enredo.
A parte del vomitivo final feliz, esta película podría haberse salvado cambiando algunos clichés característicos de filmes comerciales yankis. La originalidad del planteamiento y la construcción de situaciones apropiadamente singurales conectan con la juventud de la sociedad actual. La presentación de una mujer todoterreno de la gran ciudad -un tiburón de los negocios y de casi todos campos- y de un malcriado sinvergüenza, atrapados por lo que su familia, su trabajo y sus parejas esperan de ellos, dota de un trasfondo mínimamente trascedental a la trama, más explotado hacia el final del largometraje aunque no brillantemente resuelto.
Asimismo, aporta un respiro a la comedia romántica que últimamente inunda nuestras carteleras: un cúmulo de parodias románticas chorras sobre los mil refritos posibles donde se pueden combinar las palabras 'novio/a' y 'boda'.
Circunstancias desternillantes y golpes de humor cotidianos pero bastante bien aprovechados (como el momento en que Díaz reitera hasta la exasperación cómo se sube y se baja la tapa de un inodoro, las sesiones con la terapeuta matrimonial o los intentos de ambos cónyugues por quedarse con los 3 millones de dólares) detentan cierta agudeza humorística, sin necesidad de recurrir a gracias groseras ni manidas.
Instantes de enternecimiento soso y artificial estropean un final y confirman la razón por la que esta comedia pasará a formar parte del saco de los productos comerciales de Hollywood y no de las películas reseñables de la historia del cine.

Moverse a lo desconocido

2008-06-08T08:07:00.001-07:00

No te muevas...

Atrapada en un círculo vicioso por un amor atormentado, la única salida que le queda a Italia es una escapada de aquello que la nutre y la destruye. A veces no existe otra salida y la voluntad de cambiar las cosas es lo único que nos puede salvar.

Un film duro y tierno al mismo tiempo, que presenta sin tapujos, e incluso, con cierto cinismo, las pasiones humanas de hasta los más pulcros y respetables doctores. Un cirujano, en las carnes del atractivo Sergio Castellito que puede llegar a ser más rastrero que la más triste y desharrapada mendicante.

Una historia de amor sin razón ni sentido. Casi absurda en su desarrollo, pero precisamente por eso, totalmente verosímil. Un guión brillante sobre una encrucijada de pasiones perfectamente montada, que convierte este drama en una plataforma boyante para el lucimiento de Castellito y para el reconocimiento, sin lugar a dudas, de la labor interpretativa de Penélope Cruz.

El amor y el sufrimiento como protagonistas de un film desgarrador que despunta por su auntenticidad. Dos pasiones que se retroalimentan, cuyo resultado no es otro que la más dulce destrucción... ¿Podemos resistirnos a un amor letal sin morir en el intento?

Al igual que no perdemos la esperanza en la vida ni en las personas, tampoco lo hagamos en el destino.

No country for old men

2008-06-06T03:12:00.000-07:00

La aridez paisajística que desborda cada plano del último y curtido largometraje de los hermanos Coen es una de las consignas de este obsoleto western concebido para desencajar intencionadamente en el contemporáneo siglo XX. Una decadencia anacrónica, representada por un magnífico Tommy-Lee Jones y transmitida con una comicidad trágica subyacente, reafirman una vez más el usual humor negro que caracteriza a esta pareja cineastas.
Una historia base, compuesta por sencillos conflictos, se construye con escenas memorables, gracias a la experimentada realización y capacidad visual que estos directores despliegan en su escenario favorito: el antiguo y despiadado Oeste, recalcitrado en la agonía de su desaparición ante la modernidad.
En este último legado de los Coen, somos testigos del último eslabón de una estructura circular, que regresa a sus primeros trabajos, como Sangre Fácil (1983). Un ejercicio de estilo, donde la radicalización de sus habituales fórmulas de realización (simplificación de los planos, inteligente utilización de las elipsis y un guión pulido al máximo), desembocan hacia una vertiente más madura y hierática, a la vez que juegan con un escenario seco y hostil de la Texas de los 80, como pretendida metáfora.
La novedad de esta última obra es la inusualmente seria y preponderante trama – factor que ha podido provocar el retracto de muchos de sus más fieles seguidores-, que, por una vez, está por encima del protagonismo de su tono sardónico.
El resultado final es un film caracterizado por la sobriedad y síntesis de su historia, que guarda más parecido a otras obras menores de otros directores menos carismáticos, y la alejan de su característico corte de identidad coeniano; conjugado inesperadamente por una tímida incursión en un talante nostálgico y decadente que deposita toda su virtud en la ejecución del guión.

Unos intérpretes más que solventes completan este cuadro fílmico, sintiendo casi más preferencia por un campechano Josh Brolin que por el aquí hermético Javier Bardem. Con un cosechado Oscar a la mejor película, podríamos concluir que este film no ofrece el menor desmerecimiento frente a sus oponentes, aunque no alcanza el rango de obra maestra y se queda simplemente en una gran propuesta.

¿Me querrías aunque dejase de ser bella?

2008-04-27T07:05:00.000-07:00

- ¿Sabes que las mujeres guapas son invisibles?
- ¿Por qué?
- Porque son tan guapas que nunca llegas a ver cómo son realmente...

El arrollador paisaje poético que desprende Coixet en cada segundo de cada fotograma convierte Elegía en un grandioso melodrama, del que se podría prescindir de algunas escenas, pero cuya belleza sentimental manifestada a través de un magnífico paisaje tanto humano como natural, consienten que esta realizadora se permita excederse en todo su torrente imaginario.
Una delicada flor desplegada con el cuerpo de Penélope Cruz reacciona, víctima de una fuerza superior irremediable, junto con el también atrapado y sabio profesor de Artes Literarias, Kepesh, rindiéndose a la ímpetu incomprensible que es el amor.
La sabia mirada de la poco prolífica Isabel Coixet, nos pone ante la mesa verdades como templos con un guión de oro, del cual, aunque se sobrepase en algunos minutos de metraje, nos hace sentir que cada uno de ellos es absolutmente necesario, deleitándonos con sus inmejorables y nada desperdiciables escenas.
Un film que entraña más humor con respecto a la magistral La vida secreta de las palabras, pero que no nos enseña nada nuevo ni mejor, y se queda sin alcanzar un peldaño superior en su filmografía, pese a la mayor talla comercial de su conjunto.
Un preciosismo callado y visual, cuya hondura prevalece respecto a la historia, la cual se utiliza como pretexto para desencadenar un entramado de conflictos y dramas existenciales, como el desamor y la vejez.
Una elegía a la pérdida de la belleza del cuerpo y a la gloria emocional del amor. Un lamento por todos aquellos momentos irrepetibles perdidos, cuyo nombre genuino podría catalogarse en nostalgia.

Juno, diosa del Indie

2008-02-13T10:56:00.000-08:00

Sarcástica, original, divertida... Perfecta para los 'indies' con vocación

El alternativismo rockero y ácido al cuadrado, personificado en una joven de supuestas 16 primaveras, va abriéndose paso por los valles y montañas de la vida con una afilada prosa, irónica y contundente.
Una historia de lo más común en la vida real, como el embarazo de una adolescente, aparece presentada de la forma más peculiar por su transgresora y locuaz protagonista, Juno; alterego de su creadora, la ex stripgirl reciclada a guionista, Diablo Coddy.
No faltan artículos y palabras que se deshagan en halagos ante la agudeza de un guión bien construido y original, además de contar con la interpretación de una solvente y prometedora Elle Page; sin embargo, en la opinión de una servidora, he de concluir que el filme no llega a las cotas de obra maestra.
Es cierto, que guarda muchos puntos a favor, como algunos de los mencionados anteriormente, pero llegado un momento parece que la historia de la chica grunge con camisa de cuadros, coleta y pantalones anchos no da más de sí. Quizás debería decir que este gran personaje, lo más valioso de la película, está desaprovechado con una historia divertida pero no demasiado brillante como para hacerse con la estatuilla del "Tito Oscar".
Se pasa un rato entretenido y puede que las múltiples ocurrencias de Page/Coddy te hagan sonreír durante buena parte del largometraje y hasta soltar más de una carcajada.
La parte dramática y tragicómica del filme, pese a que el tono humorístico general intenta disolverla, se resuelve sin más transcendencia que la que podría utilizarse en una de las variadas y abundantes teleseries americanas de gran calidad que están triunfando en la pequeña pantalla. No obstante, vuelvo a repetir que el calado de esta comedia inclasificable no da para tanto.
En comparación con la intérprete jovencita principal, algunos de los personajes secundarios, no están tan bien construidos (véase el personaje de Jennifer Garner), se abusa de los estereotipos y la carismática personalidad de Juno eclipsa todas las demás.

Al final del corazón

2008-02-03T07:18:00.000-08:00

Ha hecho falta que el nombre de Godard se paseara por las bocas de los mejores cineastas y se citara en las letras de los mejores críticos de cine perdurando durante más de 40 años para que A bout de souffle (o la Al final de la escapada, como una españolita traduciría) llegara a horadar una rayita en el bagaje de mi cinéfila curiosidad.
Simplemente, el resultado videoclipero de la Nouevelle Vague y la preponderante utilización de la música, guía de la estructura del guión solo funciona porque es la excéncrita personalidad de Godard la que lo tutela.
La multitud de pequeños guiños cinéfilos (Humphrey Bogart, carteles de películas...) y no tan cinéfilos (ya sabréis en quién se inspiró el anuncio de Martini), disimulan y adornan una sensiblidad disfrazada de cultura pop y frivolidad hiperactiva que por mucha verborrea que desate no puede resistirse ante la punzante realidad del amor.

Dispárame justo ahí... para romperme el corazón

Aquí tenemos otra de mis historias favoritas, casi más admirable por la forma adolescente y despreocupada en la que se cuenta algo tan trascendente que por la historia en sí, ya conocida por tod@s nosotr@s: una buena chica enamorada de un sinvergüenza abandonados a cruzar el fin del mundo en un impulso ingenuo e imposible que se vivirá como un cuento de hadas hasta que irrumpa un game over.
Una Jean Seberg poética y enorme en toda su feminidad y un Jean-Paul Belmondo casi carismático llevan sobre sus hombros una historia tan veraz como surrealista.
Una historia no tomada en serio ni por los propios protagonistas que merodearán por los inmensos escenarios de las calles parisinas como si de un infinito teatro se tratase.

Como si 'al final de la escapada' la función se acabara y la sangre fuera salsa de tomate.

Lust & Caution

2008-01-03T02:24:00.000-08:00

Deseo y el peligro suenan como dos acertados alicientes suspcetibles de despertar la apetencia de acudir al cine por Navidad, y más si el experimentado y talentoso taiwanés Ang Lee está detrás de la dirección de este nuevo largometraje de época ambientado en las intrigas del Shangai ocupado por las fuerzas japonesas durante el ocaso de la Segunda Guerra Mundial.
Como ya nos tiene acostumbrados, la delicadeza evidenciada en cada uno de sus planos despierta otra vez el 'sentido y la sensibilidad' de cada de unos de sus espectadores. Utilizando una trama estructurada por flashbacks y grandes saltos en el tiempo, Lee narra una historia difícil de resultar atractiva, a menos que detrás de todo el montaje sintamos un pulso coherente de los acontecimientos que alcanza hacia el final del filme un clímax expresado con elementos tan simples como una mirada de Tony Leung, acompasado por el gran descubrimiento de la totalmente entregada Joan Chen.
Elegante y con un clasicismo renovador --escasamente abundante hoy en día--, un sentimiento crudo y desgarrador, desplegado en un escenario de terror y sospechas, es comunicado a través del sexo como vía de manifestación. Escenas que se retuercen entre la pasión y el dolor, sobrepasan el sentido de lo sexual para mostrarnos la realidad de una soledad acuciante y oscura, en la cual debe caer la protagonista para llegar al corazón de un lobo. Un solitario e implacable individuo con alma recubierta de piedra, el cual requiere varias derrotas y humillaciones para conseguir horadar un resquicio de su caparazón. Contemplar el doble viaje y ambas evoluciones de los principales intérpretes es una de las bazas mejor conseguidas por su director. Como siempre mostrando una templada seriedad y madurez, combinadas con buen gusto y estilo, evitan que en ningún momento se caiga en la vulgaridad ni en el sensacionalismo de un tema tan delicado y controvertido como el tratamiento de sexo. Como resultado final de este filme, tenemos un verdadero deleite para los sentidos, además, del disfrute de su narración.

Recomiendo que esta película se saboree horas después de haberla visionado. Realmente es cuando empiezas recordar sus silencios, sus escenarios, sus matices...

Lars, creo que ya no eres el jefe

2007-12-28T17:06:00.000-08:00

¿Quién no puede reconocer las señas características del genuino realizador danés en cada uno de sus largometrajes? Controvertido y transgresor, creador del dogma y el siempre alabado por la crítica, Lars Von Trier, distinguía sus historias por la crueldad dramática que esenciamente transmitían cada una de ellas: un alma caritativa encarnada en cuerpo de mujer acaba siendo el blanco y cabeza de turco de un sistema dogmático o circunstancias abrumadoras que acaban sobrepasando a la protagonista de turno y gracias al grado de mezquindad que impresivisiblemente puede llegar a alcanzar la raza humana, acaba convirtiéndose en una verdadera víctima y mártir esplendorosa igualándose casi con la divinidad.
Rompiendo las olas, Bailar en la oscuridad, Dogville...y su úlimo filme El jefe de todo esto, no tienen nada que ver... o sí. Una historia larsvontriana en claves de comedia que no acaba de cuajar, es el resultado de este experimento cómico que despertaba la curiosidad en mí como crítica. Podríamos decir que nuestro querido Von Trier lo intenta. Sin embargo, en algunos momentos de 'risa', que sabes que guardan su lógica humorística, me veía incapaz de soltar la carcajada. Puede que sean muchas situaciones de guión desaprovechadas, debido a la presentación de sus imágenes, más propia de una de las historias tristes y crueles a las que nos tiene acostumbrad@s. Pero el producto final seguía siendo un pastiche de elementos más o menos conseguidos que no acaban de conseguir el puntillo que apunta la receta.
Dicen que la línea entre la comedia y la tragedia es muy delgada (si no que se lo pregunten a Woody Allen...), y en este caso, quizás le falte una atmósfera más alegre o un matiz de naturalidad y fluidez, para que podamos sentirnos a gusto y no respiremos entrecortadamente cada vez que se utiliza un desenfoque inoportuno.
O el personaje principal es demasiado estúpido o el clímax final que se alcanza es demasiado ridículo... Pero la mera mención de Gambini, el caricaturesco y estereotipado islandés --que a veces puede llegar a ser lo mejor de la película con sus bestiales frases contra la población danesa--, algunas partes innecesarias --como el affaire de la rubia explosiva y el actor protagonista-- y el ridículo final se tambalean en la fina línea de la brillante absurdez y el sisentido insulso.
Como las carcajadas me las tuve que inventar, creo que desde el punto de vista de una servidora, está visto en qué lado de la cuerda cayó la concepción del último bandazo dado por el director escandinavo.
He de añadir que la idea original es buena y los actores lo hacen lo mejor que pueden, pero aún así el barco final naufraga, no estrepitosamente, mas no acaba de convencer.
No terminaré sin antes mencionar una escena que se ilumina como un fogonazo de este maestro de la tragedia griega en medio de toda la preparada parafernalia de comicidad (la escena en la que no se sabe si todos los empleados de la oficina acabarían en la calle). En ese momento, pensé que realmente la mano de Von Trier está por encima de cualquier historia y sólo él es capaz de filmarlas de esa manera que corta la respiración, te deja la mente sobria y la boca seca y sin aliento. Realmente, Von Trier sigue siendo un genio y único.

Así pues, no pasa nada, maestro. Te perdonamos este escarceo por esta vez.

El alma en una canción

2007-10-01T08:55:00.000-07:00

Nunca me había gustado Penélope Cruz. Mosquita muerta, poca cosa, morritos... Siempre se encuentran excusas para que desechar algo que rechazas en una primera instancia. Sucede hasta que las cosas cambian en algún punto del camino y tienes la humildad de reconocer esa inflexión. Ese preciso momento se cumplió al oír el sonido seguro del caminar de sus tacones, al ver su trasero con más prominencia en la pantalla, escuchando un tono más arrabalero y sentiendo un implacable poderío y fuerza innata. En resumidas cuentas, una nueva Pe bajo las fachas de uno de sus personajes. Un baño en otra nueva personalidad que no tenía ninguna relación con lo que Pene Cruz siempre ha supuesto para mí.

Era a Raimunda a la estaba viendo -"Aquí estoy yo y olé mi arte"-. La admiración que despiertan en mí ese tipo de mujeres, me ha hecho irresistible no enamorarme de esta creación del controvertido director manchego. Compruebo por primera vez que Penélope Cruz es actriz.

Ya era hora de que algún español nos descubriera tan artísticamente el alma profunda de Castilla. Quizás peco de ignorancia, pero hasta donde yo sé (que tampoco es que sea una experta), deben de haber pasado décadas antes de poder encontrarnos con un director que realizara de manera tan safisfactoria una historia tan bien construida y entrañable. Entrañable porque cada uno de los personajes de Volver te llega hasta las entrañas.

La gran mayoría del cine español padece de lo mismo. Se intenta mezclar costumbrismo y humor con un trasfondo de ternura. Pero en ese tándar, uno de los tres pilares siempre acaba por flaquear. Volver es una de esas películas que ha elaborado la mezcla a la perfección, y además, impregna a cada uno de sus fotogramas con un toque de poesía. La poesía que se puede encontrar en una peluquería, en un barrio periférico de Madrid o en las casas antiguas de los pueblos de La Mancha. La cuestión es primero, verla. Luego, saber enfocarla. Después de la trágicamente sufrida Hable con ella, Almovódar acaba superándose una vez más. Éste último largometraje dispone de humor y costumbrismo en la perfecta medida para hacernos reír y llorar de una imagen a otra. Imaginarnos que no estamos viendo una película, sino sumergirse en las alegrías y tragedias de una vida tan real como la del vecino que saludamos todos los días o la persona que aparece delante del espejo.

El alma de nuestras vidas atrapada en una canción...'Volver'

'Aquí estoy yo y olé mi arte'

Hoy atardeció

2007-09-12T03:04:00.000-07:00

Embriagada de pasión, me he apresurado a ver la segunda parte de Antes del amanecer en el videoclub más cercano que he encontrado. He de decir que no me imaginaba cómo podrían desarrollar una segunda parte sin "cagarla" demasiado (ya se sabe eso de que las segundas partes nunca fueron buenas...). Sin embargo, esta secuela me ha sorprendido. Unos protagonistas más maduros e irónicos que siguen conservando la química que un principio les hizo perder la cabeza.

Con un enfoque mucho más realista, nos volvemos a encaramar en la sucesión de diálogos por los que transcurre la historia, a reír y naufragar con la pareja protagonista, aunque no obstante, percibiendo un toque más agridulce que en su parte predecesora. Con el tiempo a contrarreloj, los personajes vuelven a enfrentar sus sentimientos, siguiendo una nueva coherencia argumental. La sinceridad y el análisis de episodios personales vuelven a ser bazas importantes en el desarrollo del reencuentro. Otro escenario más actual, una Julie Delphy con unas cualidades más agudizadas y una nueva y agradable elegancia sentimental a la hora de estremecernos con una canción tocada y sacada de la propia cosecha de la Delphy.

Aunque se intente ocultar bajo la máscara del desengaño y la experiencia. Antes del atardecer sigue cayendo inevitablemente en el idealismo del amor, conservando concienzudamente vivo su espíritu hasta el final. Un final incluso más expectante que el del principio, que consigue dejarnos sin aliento una vez más.

"Ey, boy, your gonna miss your plane"

Ayer amaneció

2007-09-12T02:45:00.000-07:00

Jodidamente idealista. Ahora después de disculparme por el taco, acepto que no he podido reprimir el adjetivo que define esta película. Vale que todos pensemos en el amor verdadero, su existencia, sus metáforas y todas esas cosas, vale que exista un 0,1% de posibilidades de encontrar a tu media naranja y a partir de una conversación casual en un tren, pasar un día juntos en París y enamorarse hasta la médula... Antes del amanecer cumple todos esos requisitos y supera todos los límites de la ingenuidad. Admito la posibilidad con escepticismo y denotado entusiasmo y a partir de aquí prosigo con el resto de la crítica.

En primer lugar, he de resaltar su originalidad: una historia que confiere gran importancia argumental al desarrollo de unos diálogos desenfadados, honestos y sin complejos con los que pasas una hora y media como pez en el agua, navegando en la química que trasmiten las miradas de Ethan Hawke y Julie Delphy. Una historia que no necesita violencia, sexo, drogas ni acción para llegarte a las entrañas. Más bien te hace poner los pies en el suelo, sin necesidad de recurrir a episodios dramáticos concienciadores ni exagerados. Presenta una sincera radiografía de las relaciones y declara los miedos e inseguridades más comunes que a todos nos azotan en algún momento de nuestra vida sentimental.

El incipiente romance parece una mera excusa para liberar una serie de discursos y episodios que hacen reflexionar y profundizar a los personajes en la verdadera naturaleza del comportamiento en sus respectivas acciones. La exposición de cómo funciona una relación sincera, sin tapujos y la superación de las crisis empezando por la aceptación de los propios errores. Una verdadera lección rematada con un apasionado broche final que mantiene en el aire ese espíritu idealizante que embarga desde el principio al fin todo el largometraje.

Sin duda, no se puede dejar de creer en el amor.

Aunque solo vivas de la voluntad de intentarlo.

Todos tenemos una isla en nuestro interior

2007-07-17T15:06:00.001-07:00

Me parece imposible irme de vacaciones sin hablar de La Isla de Kim Ki-Duk. Y también parece que cuanto más se supone q no debes hacer una cosa más ganas tienes de hacerla... :P

Esta película sale sola. Es dramatismo y sentimiento en estado puro. No hacen falta palabras para expresar las emociones más intensas. Casi diría que la ausencia de diálogo dota de vehemencia, misterio y atracción a las emociones humanas.

Kim Ki-Duk muestra como es habitual en su filmografía a unos personajes en el borde de la marginalidad, desgarrados, animales de la naturaleza. Y una historia desarrollada a través de las reacciones desbordadas del animal humano. Porque eso es lo que parece el ser humano, una criatura de Dios temblando bajo el yugo de la lluvia y el dolor.

El escenario está inundado. Inundado por un inmenso lago que no encuentra su final. Al igual que el límite de la pasión, o ¿puede ser el miedo a la soledad agudizada por la inmensidad de la naturaleza?

Como siempre la moralidad está neutralizada. Casi se olvida la diferencia entre el Bien y el Mal cuando ves a esos animales amándose.

2007-07-11T04:29:00.000-07:00

CLOSED

Ciertos acontecimientos que están sucediendo en mi entorno me superan, así pues dedicaré el verano a culturizarme y a prepararme para continuar con la edición de este blog.

Gracias a toda esa gente que se ha molestado en leerme y en compartir sus opiniones conmigo.

Volveré

Ríete o tápate los ojos

2007-06-25T04:10:00.000-07:00

Como venimos constatando en los últimos bombazos orientales que tienen la suerte de llegar a nuestras carteleras españolas, la pasión por la perfección visual y la desbordante y arriesgada composición plástica, heredera directa del manga, convierten el argumento y la narración de Old boy en un film de una calidad mucho más mejorada que si de una realización al uso se tratase.

Excesiva, rozando el ridículo, a punto de precipitarse desde la delgada y endeble cuerda de la credibilidad es la manera en la que se suceden los puntos de giro de esta historia de venganza y suspense. Lidiando entre lo inverosímil, Park Chan-wook hace creíble y apasionante una tragedia sencilla y excesiva que rebusca y enreda el hilo argumental con el objetivo de sorprender al telespectador hasta el último segundo.

Un comienzo que quita hierro a un secuestro de 15 años, suaviza la violencia y brutalidad, saca partido de la frivolización de la tragedia, exagerando la vehemencia de la misma hasta convertirse en caricatura; una doble baza que el director surcoreano va alternando equilibrada y concienzudamente.

Un desarrollo atípico, y un final aún más incoformista, nos aclaran las raíces y los impulsos por los que se mueve el mundo... una imposible historia de amor que se aferra por existir.

Si es que al final es el amor el que tiene la culpa de todo...

Lila dice, pero sin pronunciar palabra

2007-06-16T15:00:00.000-07:00

"Me gusta tu mirada cuando te hablo..."

Mírala a los ojos y tiembla.

La gentil ingenuidad y la simultánea osadía de Lila se presentan al espectador con la evocación de las más provocadoras imágenes oníricas recitadas por de la boquita de un ángel.
Una explosiva sensualidad desplegada con la turgente voluptuosidad de Vahina Giocante adentra, en un primer lugar, al reservado e intimidado protagonista, Chimo, en un desconocido universo repleto colores y sensaciones. La sola presencia distante de Lila, convertida en su musa, le corta la respiración y rasga su interior. Por un segundo es totalmente vulnerable, una masa informe que se desmenuza, un alma incapaz de hablar e incapaz de actuar ante otra presencia que le roba los sentidos, las fuerzas, la voluntad.

La actuación perfectamente calibrada de la rubia actriz se balancea entre una calculada inoncencia y el borde de la zafiedad más despreciable. Una escuálida frontera que en ojos y boca de otra actriz quizás no hubiera dotado de toda la magia y exotismo que contiene la película.
Su director, el libanés Ziad Doueiri, ha sabido exprimir al máximo la mayoría de las secuencias.

Destaco quizás la mejor de ellas en toda la proyección: un simple paseo en bicicleta muestra al espectador como una suburbial atmósfera urbana se convierte en un poético escenario, donde el alumbramiento de tiernas emociones se desatan a través de la manifestación de un cuadro repleto de delicadeza y dulzura donde se desenvuelven los primeros coletazos del amor.
Su mejor baza es su tratamiento artístico, tanto la estupenda banda sonora como la realización, que elevan a esta historia de amor a un nivel superior más allá de la clásica presentación cinematográfica de la iniciación amorsosa en la adolescencia. Podríamos decir que Doueiri hace poesía.

Respecto al desarrollo y los demás temas sociales que se presentan, los personajes secundarios y el desarrollo final de los acontecimientos muestran un previsible desenlace. Los últimos puntos de giro de la historia no se encuentran al mismo nivel que el tratamiento artístico. Personajes secundarios y cuadros sociales estereotipados o ese final condescenciente "made in Hollywood" restan credibilidad y potencial a una historia que podría haber sido realmente transgresora y conmovedora.

Aún así, la mera sonrisa queda y los movimientos de Giocante te dejan sin habla ante todo ese torrente de delicadez y poética. Un útlimo mensaje final que declara las intenciones de Lila es también una baza de sinceridad y realismo que descubre la verdadera esencia de Lila.
Las apariencias como siempre engañan. A veces hay que mirar más allá de las palabras para adivinar la vulnerabilidad que se esconde detrás de la coraza.

Requiem por un sueño

2007-06-16T14:52:00.000-07:00

Solo se puede entender como el consecuente remolino suicida, casi inevitable, al que nos dirige un camino sin otra posible opción que su abandono: la adicción a las drogas. El tratamiento videocplipero, subjetivo y surrealista del entramado de las distintas experiencias de los personajes, nos muestra un mismo destino aberrante e irremediable: la autodestrucción.

Un Aranofsky que se regodea en la condenada perdición de los protagonistas y disfruta con la agridulce frustación de los sueños que atesoramos íntimamente más allá de las miserias de la vida. Una inmersión en el diminuto universo personal abocado a un infierno mudo, desamparado e ignorado ante los ojos de la sociedad.

Una película que juega con la delicada mirada de Jennifer Connelly y la asumida y abrasadora soledad de Ellen Burstyn para ponderar y engrandecer el horror de la incompresión individualista y la insolidaridad de la contemporaniedad.

Las buenas intenciones, los deseos, los sueños... se quedan en la imaginación, en el insuficiente y ahogado intento por cumplirlos. "Tenemos un ganador", esa parece ser la máxima final que atrapa a una mujer abandonada del cariño de un hijo, concentrado en construir su futuro aparte. Una historia acompañada por una excelente banda sonora que actúa como leit motiv del inminente y apocalíptico discurso de los acontecimientos y se adapta a las almas afligidas como agua de lluvia. El éxito como equivalente de la felicidad.

El deslumbrante brillo del falso camino hacia lo deseado.

La Dalia Negra

2007-06-16T14:50:00.001-07:00

La última película de Brian de Palma es como siempre un film trabajado y controvertido. Se nota que el guión con ese final, no es propio de una historia escrita por mi querido director. Su firma se revela en la resurrección de la elegancia del cine noir. Cada fotograma contiene esa esencia de clásico perdida en la evolución del cine americano (hacia lo horterilla :P) Es como un cuadro vivo de mujeres fatales y policías corruptos de la posguerra. Me encanta la estética. Es perfecta. Y ha sido la mejor manera que ha podido el italiano de rodar esta sórdida leyenda y disimular sus fallos de guión. Aunque me ha disgustado la recurrente utilización de una música que confiere al film cierto tinte de dramatismo telenovelero. Por último, destaco la brillante actuación de Hilary Swank, metida de lleno en su papel de femme fatale, sensual y peligrosa, tan contraria a los personajes antifemeninos a los que nos tenía acostumbrad@s. Se podría decir en dos palabras: lo borda. Es una actriz como la copa de un pino. ¡Cómo me enamora su personaje! Una actuación eclipsada por la publicidad mediática concedida a una insulsa y anodina Scarlett Johansson (no sé si por el personaje o por esa cara entrada en trance que no hace más que estrechar morritos... ¿qué le verán, verdad Raquel? :P). Josh Harnett está aceptable dentro de su limitada capacidad de interpretación jiji y Aaron Eckhart se defiende bastante bien. Conclusión: la película está bien y destaca por la dirección de Brian de Palma. Merece la pena, aunque tiene fallos de guión y un tratamiento sensacionalista en ocasiones excesivo. No os preocupéis e id a verla sin prejuicios... Total, ¿quién hace caso a los críticos?

Piratas del verano

2007-06-16T14:48:00.000-07:00

Decidida a retomar la subjetiva, laboriosa y estimulante labor de criticar el Séptimo Arte, la verdad es que, desde que no me paso por aquí, tengo varias joyitas y no tan joyitas guardas en el cajón de mi memoria. Empezemos por lo más fresco, respecto a lo que a las novedades de la cartelera se refiere, procedamos a echar una mirada critica (y nunca mejor dicho) a la segunda película de piratas que nos regala la industria Disney, Piratas del Caribe.

El cofre del hombre muerto, de nuevo de la mano del estadounidense Gore Verbinski. En primer lugar, resaltar el ritmo aún más trepidante que consigue esta segunda parte, superando a la primera de esta futura trilogía, con la aplicación de una milimetrada precisión tanto en el encadenamiento de las escenas cómo en el cuidado de los escenarios, caracterización de los personajes y escenas de acción perfectamente coreografiadas, que a la vez coordinan humor, acción y tempo de una forma magnifica. La caricatura de los personajes recuerda a algunas de las viejas glorias disneyianas, las cuales no desencajarían en un musical. Sin duda, nos encontramos ante una película tan bien construída a nivel real que podría pasar por ser una de dibujos animados.

A parte de esto, reconozcámos que no se puede encontrar una historia de amor con peso ni un melodrama con profundidad más allá de la explotación de los tópicos héroes (cómo el que da vida Orlando Bloom, siempre con su gesto solemne y hermético), o en este caso, el intento de Keira Nightley por dar vida a un personaje más verosímil que no sea interpretarse a ella misma. Por descontado, sin el talento de Johnny Depp, esta gran película terciada, nunca hubiera sido la misma y quizás no hubiera alcanzado el éxito suficiente como para producir las dos secuelas.

En resumen, esta es una película que no te concede tiempo para tomarte un respiro ante las mútliples ocasiones límite y al borde la muerte en la que se encuentran los personajes. Acción acción, acción, como una buena película de aventuras se merece. Un final un poco abrupto, pero weno, consideremos globalmente como una segunda parte comestible y visible, aunque con cierto riesgo de empacho.

La sumersión en un mundo fantástico les encantará al público infantil, (seguro que si fuera una peque la consideraría una de mis películas favoritas :P). No le pidamos peras al olmo.

Robemos las orquídeas

2007-06-16T14:44:00.000-07:00

Original donde las haya. Las crisis personales de creatividad, fundadas en las caídas de la autoconfianza es un fantasma muy común entre los lares de las mentes imaginativas. Eso es precisamente lo que quiere comunicar Charlie Kauffman, el guionista de Cómo ser John Malcovich en su segunda colaboración con Spinke Jonze. ¿Acaso no nos hemos visto bloqueados alguna vez a la hora de enfrentarnos a un proyecto intimidante? En estas épocas veraniegas, el nihilismo puede centrífugarnos por la más mínima causa. El peor enemigo eres tú mismo. Un amigo mío ha perdido las ilusiones, y esta película me recuerda a esa sensación. La falta de pasión que siente el guionista protagonista, bordada con la magnífica actuación de Nicolas Cage, se asemeja al vacío de la vida de Susan Orlean, la periodista y autora del libro El ladrón de orquídeas basado en las epopeyas de John Laroche por apoderarse de las estrambóticas flores del título.
La dualidad de la personalidad también es personificada por el hermano gemelo de Charlie Kaufman, interpretado por el propio Cage. Como si fuera blanco y negro, la noche y el día, la inseguridad y la autoestima, el positivismo y el pesimismo, se juega con la presencia de esa doble baza que permanece en nuestras mentes a la hora de tomar decisiones.
Las complicadas y concienzudas tramas de esta película convergen de manera consecuente en un desenlace sorprendente. Un romance entre el burdo ladrón y la estirada periodista es tan ilógico y verosímil como la vida misma, el desencadenamiento de los acontecimentos es llevado al extremo al provocar que la construcción de un guión pueda conllevar a un guionista al riesgo de un peligro vital.¿El precio de la felicidad? ¿La lucha por la inspiración? ¿El riesgo de la verdad? Esta película sugiere muchos dilemas, las respuestas se dan de una manera divertida y desconcertante. Lo bueno es darse cuenta de que éstas no son tan complicadas.

¿Alguna vez habéis descubierto la pasión que despiertan las flores?

Como dice Kuaffman, lo que busca en su adaptación es "una historia de flores", no asesinatos, ni persecuciones, ni otro tipo de tramas. Efectivamente, la pasión por las flores también mueve corazones.

Domino

2007-06-16T14:43:00.000-07:00

Domino
Indomable y desenfrenada es nuestra película de Tony Scott., al igual que el espíritu sediento de autenticidad y adrenalina que tiene nuestra Domino Harvey. Emocionado por el empacho de juegos pos-productivos en la narración de los acontecimientos, este falso biopic de la modelo inglesa, reconvertida en una cazarrecompensas, es una arriesgada apuesta inconformista y reivindicativa de un estilo propio. Con ello, el otro hermano menos conocido de los Scotts quiere legitimar un montaje nacido de la publicidad y el videoclip, que ataca a nuestros cinco sentidos de forma eficaz y apremiante, a la vez que cuenta con una sustancial historia, en la que encajan sorpresivamente todas las piezas. Este déficit por exceso de malabarismos visuales, tampoco agrada a todo el mundo. He de reconocer que a las 11 y media de la noche, con la cabeza algo abortagada, a una servidora le costó seguir el ritmo cardíaco al que Tony Scott somete a su propia creación. Esta predilección por los excesos no solo se refleja en la inyección forzada y aceleramiento del número de imágenes por minuto, sino también en los propios derroteros de la historia, que se burla de su propia seriedad y consigue escapar de lo previsible. Surrealista, caótica, trepidante, en ocasiones frívola... Esta película alcanza una visión profundamente subjetiva, donde la sordidez se combina con un espíritu idealista redentor. Aquellos que se decidan por esta atrayente producción, que no esperen 'una de acción' o un thriller a antigua usanza. Cuando menos te lo esperas, Scott inyecta un chute de mezcalina...

Superman Superman...

2007-06-16T14:36:00.000-07:00

La verdad es que mi primera impresión sobre la continuación de la saga de Superman, no fue muy buena. El nuevo traje no me atraía xDYa sé que tampoco es una gran razón de peso, pero la modernización del superhombre no la veía por ningún lado. Incluso ese pequeño rulillo que le caía en la frente a lo John Travolta en 'Grease' fue un gran detonante para dar por perdido mi interés en la nueva continuación de Bryan Singer. ¿Cómo puede el nuevo Superman tener el mismo traje y peinado que Christopher Reeve? ¿Acaso necesito que algunas películas se adapten a mi forma de pensar contemporánea?Después de todos mis prejuicios expuestos sobre la mesa, no sé si os sorprenderéis, pero al ver el trailer en la sala de otra película, me entraron ganas de tremendas de verla. Pensé que cabía la posiblidad de que fuera una buena película, con el añadido de un hombre perfecto como protagonista que con el que todas hemos soñado y no desalienta en absoluto ver. Bryan Singer: otra de mis razones. Me pareció que detrás de ese director que solo se ocupaba de películas de acción y héroes de cómic existía un artista que concebía la vida de esos personajes con trasfondo real y dramático. En otras palabras, creía que podría conseguir que todo adulto o persona que tenga alguna inquietud más allá de ver efectos especiales, podía incluso llegar a emocionarse. Como me ocurrió con X-men. Las cuales no me disgutaron nada, al contrario que la última de Brett Radtner (¿se escribe asÍ?). En fin, que después de todos estos juicios y deliberaciones, decidí entrar a ver a ese moreno de ojos azules y con buena planta al que habían elegido como protagonista. La historia me pareció bastante plana. El guión pobre. La idea argumental bastante original. Lo que realmente me gustó es la admiración del propio Singer por Superman. Puedo notar que le ama en cada uno de los fotogramas y en la última perorata que suelta el héroe como sentencia final y mítica. Pero sinceramente, me esperaba algo mejor. Menos deducible. Puede que me esté haciendo mayor y haya perdido la emoción por ver a mis superhéroes favoritos. Aunque la adaptación de Batman begins de Christopher Nolan me confirma que no. Bryan Singer, sabemos que le amas, pero podrías haber hecho una película menos tópica que hubiera encumbrado al hombre más perfecto creado por la mente humana. Un resultado pasable. Aunque las dotes de interpretación de Brandon Routh han sido un descubrimiento bastante sorprendente de lo que me sugería esa cara de palo tan seria de los fotogramas publicitarios. ¿Por qué será que los hombres serios y vengadores me dan la sensación de simpleza cuando realmente son los únicos que tienen cojones de hacer lo que se tiene hacer?La verdad, Brandon, que a pesar de la cara de palo que han difundido por todos los rincones de la ciudad, creo que has sido el mejor actor que podían haber elegido como Superman. Incluso, tu interpretación me ha permitido ver a un verdadero Clark Kent más allá de tus ojazos azules. Enhorabuena.

No es sólo lucha, no es sólo jabón...

2007-06-16T14:30:00.000-07:00

El club de la lucha, la verdad que es una película que no deja de fascinarme. Siempre que tengo ganas de ver una de las que me he comprado, aparece en mi mente 'el sudor frío de Jack' y esos diálogos interesantes que demuestran un gran verdad de forma inteligente y graciosa.A veces tengo inclinación por las mentes o actitudes contracorriente. Es decir, la propia convicción justa cuenta, aunque el número de tus opositores sea toda la población del mundo mundial. Esas típicas frases de "Si todo el mundo lo dice", "La gente piensa lo mismo"... Pueden intimidar al principio. Sí, acojona. Pero, si tú eres de otra opinión, ¿por qué has de seguir la general si no la compartes? Hace poco leí una frase que se me quedó marcada --> Solo los peces muertos siguen la corriente del río Y la verdad es que me gusta mucho. Tampoco quiere decir que me guste la gente que lleva la contraria por sistema. En el fondo lo que estimo son personalidades auténticas. De ahí mi disgusto a los copieteos, mi manía de ver la mayor parte de las veces filmes independientes, de los que están hartos en mi casa jajaVolviendo a El club de la lucha, es una película que no me puede servir más en bandeja algo excitante: una sola mente brillante pone en jaque inteligentemente el sentido de la vida que estamos viviendo. Su crítica es tan buena...la superficialidad, la razón profunda de nuestras acciones, el valor de nuestros actos...El cáncer de esta sociedad es el sinsentido de nuestra vida. "¿Y ahora que tengo trabajo, qué hago?" Rememora Tyler. "Pues cásate", es la respuesta de su padre. Su forma de contarlo es magnífica. Es destornillante ver cómo el piso de Jack vuela por los aires y se va a vivir a una casa a punto de caerse a cachos sin agua, con goteras, lavarse la ropa con cepillo de dientes y constatar que Jack ya no tiene insomnio. Cada vez le preocupa menos si llega al trabajo con uno ojo hinchado, con la camisa blanca manchada de algunas gotitas de sangre y sin corbata.Jack está siendo más libre y más feliz que nunca. Tirando por tierra ese mundo donde predominan los valores erigidos por la publicidad. Donde estamos acosados en gran parte a pensar materialmente. Él y Tyler divertida y inteligentemente disfrutan de esa realidad llamada 'El club de la lucha', empezando por desprenderse de todo lo que le ata a esa cadena consumista. Cada una de las reflexiones de Jack, te enriquecen la mente. Es una continua reflexión que realizas mientras te ríes. Cada vez que quiero guarecerme en algo, parece que sumergiéndome en esa película cuyo nombre puede dar la impresión de una historia de puños y poco seso, entre Jack y Tyler me siento como en casa. A veces me da la sensación de que sólo estoy de acuerdo con vosotros, chicos...jjAquí os pongo un pequeño corte... A ver sentís ese calor hogareño que siento yo :P